RESTLESS SPIRITS "Second to none", CRITICA/ RESEÑA DE SU NUEVO ALBUM

 

NUEVO ÁLBUM DE RESTLESS SPIRITS, EL PROYECTO PARALELO DE LORDS OF BLACK

Quien decía que en España no se hacía buen metal melódico? Desde luego quien difundió ese rumor no había escuchado nada del grupo LORDS OF BLACK. Un grupo que nació en el 2014 y que lleva editado cinco álbumes ya con un éxito por parte de la crítica y los fans impresionante. Este grupo formado por Tony Hernando, tras salir de  grupo Saratoga, Ronnie Romero, Dani Criado y Andy Cobos, crearon una banda con un enfoque totalmente internacional y en una onda estilística de metal moderno pero a la vez clásico, progresivo y melódico; y con  ella consiguieron llegar a los puestos más altos de las listas de éxitos de esta categoría, creando así un nuevo concepto del metal melódico español. Pero su fundador Tony Hernando decide crear un proyecto paralelo al que llama  RESTLESS SPIRITS, Este nuevo proyecto formado por: Tony Hernando a las guitarras, bajos y teclados. Deen Castronovo a la batería, voces. Junto a la colaboración de varios cantantes como son: Johnny Gioeli, Alessandro Del Vecchio, Diego Valdez, Kent Hilli y Dino Jelusic. Además de Victor Diez al piano y teclados, y también a Leif Elhin los teclados. Con esta formación edito su primer álbum bajo el titulo homónimo de Restless Spirits en el 2019, con la compañía Frontiers Music Srl. Pero para el segundo disco que es el que nos ocupa llamado Second to none, y que ha sido editado este mismo año 2022 y bajo el mismo sello, ha contado con otras colaboraciones en las voces como son: Chez Kane, Renan Zonta, Kent Hilli y Johnny Gioeli. Este trabajo consta de once temas dando comienzo con el corte I need a lil’ white lie, este fue el primer tema que se lanzo como single y cuenta con la voz de Kent Hilli, considerado uno de los mejores cantantes de rock melódico de la actualidad, que canta un corte con una letra creada por el mismo con una envolvente melodía vocal y un claro estribillo que sin ser un corte de mucho ritmo crea un sonido muy sugerente. Seguidamente aparece Hey you, cantado por Chez Kane, un buen tema de medio hard rock que se inicia con una buena batería y sigue con unas guitarras rasgadas que junto con los teclados forman un corte intenso y apasionado. Tras este aparece Dreams of the wild,  cantado también por la misma cantante, este corte de mayor ritmo que el anterior es puramente ochentero de corte AOR creando un sonido alegre y rítmico donde de nuevo las guitarras cobran protagonismo sobre todo en dos solos espectaculares con magníficos punteos. Después viene Until the end of time, que es el último tema que canta la vocalista Chez Kane, un medio tiempo pero sin llegar a ser una balada donde de nuevo las guitarras acompañan a la voz en una bonita melodía, donde de nuevo el punteo central es uno de los protagonistas del tema. A continuación aparece A dream to be lost in time, un  corte que se inicia con un piano a ritmo de jazz y un buen punteo para pasar a la vibrante voz de Renan Zolta, que junto con el ritmo del piano, guitarra y batería crean un buen tema donde de nuevo la guitarra central vuelve a lucirse. Seguidamente tenemos And yet it breaks, con Zolta de nuevo en la voz, este corte de ritmo más lento y de estructura lineal pero a la vez elegante así como de nuevo vuelve a lucirse la guitarra en el punteo central. Seguimos con  Too many, una canción de corte misterioso donde poco a poco va creciendo en intensidad sobre la potente voz de un nuevo vocalista, esta vez es Johnny Gioeli, que junto con la guitarra de Tony Hernando y su sinuoso solo crean un buen corte de AOR, pero sin llegar a romper de acelerar el ritmo. Continuamos Nothing dirty here, de corte más rítmico con unas guitarras más potentes y rotundas, este segundo corte cantado por Johnny Gioeli es mucho más potente en voz, guitarra y batería, volviendo a crear mucho protagonismo la guitarra de Tony  Hernando.  De nuevo Johnny vuelve a aparecer en el siguiente tema que es Always a pretender, una intensa balada con una destacada línea vocal que sobresale de unas guitarras rítmicas bien adornadas con unos arreglos acústicos muy logrados sobre un punteo muy apasionado solo entremezclado sobre el estribillo. Y pasamos a los dos últimos temas No time wasters y Dirty money. El primero vuelve a ser cantado por el vocalista brasileño Renan Zolta, con un sonido ochentero total donde el hard y el AOR se funden en una intensa melodía vocal junto con una magnifica batería y unas guitarras muchas intensas. Mientras que el segundo y último corte es cantado por Kent Hilli, creando uno de los cortes mas hard rock de todo el álbum, destacando el ritmo impuesto por la batería, el bajo y sobre todo la guitarra que hacen que sea una de las canciones más destacables del álbum. En definitiva un disco de hard metal melódico donde el único defecto, como ocurre con la mayoría de los discos de múltiples cantantes, es la falta de consistencia en el sonido de los temas, ya que las canciones no están escritas con el estilo vocal de cada cantante, pero sin embargo por el contrario, con varios vocalistas si se obtiene resultado mixtos, con tonos o texturas diferentes para cada corte haciendo que sea un álbum excepcional. Además Tony Hernando crea unas composiciones excelentes con unos solos de guitarra asombrosos, y donde debería ser reconocido como uno de los mejores guitarristas de rock y metal de esta generación. Solo esperamos que bien sea con su actual grupo o bien sea con su proyecto en solitario se acerquen por estas tierras y podamos disfrutar de su música en vivo y en directo.

UN SALUDO Y LARGA VIDA  AL HARD ROCK.     

 

JETHRO TULL "The Zealot gene"- CRITICA/RESEÑA DE SU NUEVO ALBUM

 

JETHRO TULL VUELVEN CON NUEVO TRABAJO

Muchos son los años que llevan los británicos JETHRO TULL en la música progresiva, y ahora después de más de dos décadas han vuelto al candelero musical con la nueva edición de su disco The Zealot gene. Con nuevos cambios en la formación, su líder, miembro fundador y genio creativo Ian Anderson, está rodeado de David Goodier al bajo que llegó en 2007, al igual que John O'Hara en los teclados, voz de apoyo y el acordeón. Mientras que Scott Hammond en la batería se unió en 2017 y últimamente Joe Parrish en la guitarra, que reemplazó a Florian Opahle en 2020. Aunque este último también aparece en los créditos de este álbum debido a que los temas se habían grabado anteriormente a esta sustitución, ya que algunos cortes fueron grabados con toda la banda en el estudio, mientras que otros fueron compuestos y grabados por el propio Ian Anderson en su casa y posteriormente enviados al resto de la banda que iban agregando y puliendolos con sus respectivos aportes. Este álbum conceptual está inspirado en historias bíblicas, desde la traición de Judas hasta la relación de Moisés con Dios, pero no siendo abordadas directamente sino con un paralelismo similar y explorando los distintos aspectos de estas historias. El álbum consta de doce temas, siendo el primer corte el llamado Mrs. Tibbets, que tiene un ritmo bastante mezclado, donde cada elemento va cobrando sentido a lo largo del corte con una identidad y marca del grupo, con un piano muy presente y la flauta de Anderson como siempre adornando y aleteando, que en ocasiones es la clave de la composición. En este corte el punteo de la guitarra del ex miembro Florian Opahle es uno de las claves de la canción ya que brilla por sí sola. Seguidamente aparece Jacob's tales, una composición que suena claramente a Ian Anderson en solitario, pero que alterna y finalmente se juntan con la aportación de la guitarra, la mandolina y la armónica siendo un tema simple pero gracias a la peculiar voz de su vocalista suena jocoso y cautivador. A continuación aparece Mine is the mountain, un tema donde el tenebroso piano junto con la flauta travesera son la base principal del corte dándole un toque misterioso y dinámico, donde de nuevo la narración es otra de las cosas primordiales de la canción. Después aparece el tema que da título al álbum llamado The Zealot gene, de nuevo el ritmo vuelve a subir siendo un reclamo desesperado en contra de un mundo podrido por la avaricia; donde de nuevo todos los instrumentos están compaginados al unísono. Tras este aparece su primer single titulado Shoshana sleepin. Un tema que comienza con una potente batería que da paso a un riff pegadizo entremezclado con una flauta travesera sinuosa y serpenteante creando un ritmo bastante pegadizo y con la particularidad de que la voz de Ian Anderson sufre efectos de reverb y delay dándole un toque especial al corte creando uno de los próximos éxitos de esta banda. Una vez escuchado el tema anterior aparece el corte Sad cty sisters, puro country folk con la mandolina, el acordeón y la flauta que se juntan creando un corte acústico de carácter tranquilo y suave, donde de nuevo la interpretación de su líder da fé de ser el máximo compositor de todo el álbum. De nuevo los acordes de la flauta vuelven abrir el siguiente corte que es el llamado Barren beth, wild desert John, tal vez la canción más floja de todo el álbum, ya que es bastante lineal y previsiva, donde de  nuevo vuelve el solo de flauta que se junta con el solo de guitarra, volviendo a crear otro corte en la línea propia del grupo. Seguidamente pasamos a la canción The betrayal of Joshua kynde, de nuevo se inicia con unos buenos golpes de batería acompañados de la flauta creando una emocionante y motivante composición basada sobre todo en el conjunto del piano y la flauta con espacios de lucimiento para la guitarra con buenos riffs y un magnifico punteo central. Tras este viene Where did saturday go? Que se inicia con una guitarra acústica que junto con la voz de Anderson van dando paso a un corte de carácter acústico y suave donde el punteo central se basa en un solo de flauta creando un momento tranquilo y mágico. Three loves, three y In brief visitation, son dos siguientes temas en aparecer, siendo el primero un alarde de sensibilidad y ternura que solo un genio creativo como es su líder podría darle a la composición de la guitarra, la flauta y sobre todo, a su canto demostrando la sensibilidad de la melodía, mientras que el segundo corte es una destacada unión de la flauta y de nuevo la guitarra acústica, aunque peca un poco de repetitivo, pero sin faltarle emoción e ingenio. Y para terminar este disco nos encontramos con el corte The fisherman of Ephesus,  tal vez el corte más épico de todo el plástico, ya que consigue una de las composiciones más logradas donde el riff de la flauta es muy pegadizo mientras que los demás instrumentos están muy compenetrados, con el teclado, la guitarra, la batería y sobre todo la flauta y la voz conjuntan a la perfección creando un tema sensible y bello. En definitiva un disco muy al estilo de Jethro Tull, donde se demuestra que a pesar de haber pasado el tiempo el excéntrico Ian Anderson sigue siendo el pilar fundamental de toda la formación, que aunque haya perdido un poco de magia, sigue estando en plena forma con su voz y haciendo de la flauta travesera otra parte fundamental de su anatomía, principalmente porque maneja y controla cada nota, cada riff, cada solo estando todo medido, ajustado y sobre colocado en su lugar sin dejar desajustamientos ni desacoplamientos. Solo esperamos que de nuevo vuelva por estas tierras, ya que hace muchos años que paso por el castillo de Lorca, donde nos ofreció uno de los mejores conciertos que personalmente he asistido. Solo espero que sigua en esta misma línea y que en un futuro vuelva a demostrar que sin él, el rock folk no será nunca lo mismo.