JETHRO TULL "The Zealot gene"- CRITICA/RESEÑA DE SU NUEVO ALBUM

 

JETHRO TULL VUELVEN CON NUEVO TRABAJO

Muchos son los años que llevan los británicos JETHRO TULL en la música progresiva, y ahora después de más de dos décadas han vuelto al candelero musical con la nueva edición de su disco The Zealot gene. Con nuevos cambios en la formación, su líder, miembro fundador y genio creativo Ian Anderson, está rodeado de David Goodier al bajo que llegó en 2007, al igual que John O'Hara en los teclados, voz de apoyo y el acordeón. Mientras que Scott Hammond en la batería se unió en 2017 y últimamente Joe Parrish en la guitarra, que reemplazó a Florian Opahle en 2020. Aunque este último también aparece en los créditos de este álbum debido a que los temas se habían grabado anteriormente a esta sustitución, ya que algunos cortes fueron grabados con toda la banda en el estudio, mientras que otros fueron compuestos y grabados por el propio Ian Anderson en su casa y posteriormente enviados al resto de la banda que iban agregando y puliendolos con sus respectivos aportes. Este álbum conceptual está inspirado en historias bíblicas, desde la traición de Judas hasta la relación de Moisés con Dios, pero no siendo abordadas directamente sino con un paralelismo similar y explorando los distintos aspectos de estas historias. El álbum consta de doce temas, siendo el primer corte el llamado Mrs. Tibbets, que tiene un ritmo bastante mezclado, donde cada elemento va cobrando sentido a lo largo del corte con una identidad y marca del grupo, con un piano muy presente y la flauta de Anderson como siempre adornando y aleteando, que en ocasiones es la clave de la composición. En este corte el punteo de la guitarra del ex miembro Florian Opahle es uno de las claves de la canción ya que brilla por sí sola. Seguidamente aparece Jacob's tales, una composición que suena claramente a Ian Anderson en solitario, pero que alterna y finalmente se juntan con la aportación de la guitarra, la mandolina y la armónica siendo un tema simple pero gracias a la peculiar voz de su vocalista suena jocoso y cautivador. A continuación aparece Mine is the mountain, un tema donde el tenebroso piano junto con la flauta travesera son la base principal del corte dándole un toque misterioso y dinámico, donde de nuevo la narración es otra de las cosas primordiales de la canción. Después aparece el tema que da título al álbum llamado The Zealot gene, de nuevo el ritmo vuelve a subir siendo un reclamo desesperado en contra de un mundo podrido por la avaricia; donde de nuevo todos los instrumentos están compaginados al unísono. Tras este aparece su primer single titulado Shoshana sleepin. Un tema que comienza con una potente batería que da paso a un riff pegadizo entremezclado con una flauta travesera sinuosa y serpenteante creando un ritmo bastante pegadizo y con la particularidad de que la voz de Ian Anderson sufre efectos de reverb y delay dándole un toque especial al corte creando uno de los próximos éxitos de esta banda. Una vez escuchado el tema anterior aparece el corte Sad cty sisters, puro country folk con la mandolina, el acordeón y la flauta que se juntan creando un corte acústico de carácter tranquilo y suave, donde de nuevo la interpretación de su líder da fé de ser el máximo compositor de todo el álbum. De nuevo los acordes de la flauta vuelven abrir el siguiente corte que es el llamado Barren beth, wild desert John, tal vez la canción más floja de todo el álbum, ya que es bastante lineal y previsiva, donde de  nuevo vuelve el solo de flauta que se junta con el solo de guitarra, volviendo a crear otro corte en la línea propia del grupo. Seguidamente pasamos a la canción The betrayal of Joshua kynde, de nuevo se inicia con unos buenos golpes de batería acompañados de la flauta creando una emocionante y motivante composición basada sobre todo en el conjunto del piano y la flauta con espacios de lucimiento para la guitarra con buenos riffs y un magnifico punteo central. Tras este viene Where did saturday go? Que se inicia con una guitarra acústica que junto con la voz de Anderson van dando paso a un corte de carácter acústico y suave donde el punteo central se basa en un solo de flauta creando un momento tranquilo y mágico. Three loves, three y In brief visitation, son dos siguientes temas en aparecer, siendo el primero un alarde de sensibilidad y ternura que solo un genio creativo como es su líder podría darle a la composición de la guitarra, la flauta y sobre todo, a su canto demostrando la sensibilidad de la melodía, mientras que el segundo corte es una destacada unión de la flauta y de nuevo la guitarra acústica, aunque peca un poco de repetitivo, pero sin faltarle emoción e ingenio. Y para terminar este disco nos encontramos con el corte The fisherman of Ephesus,  tal vez el corte más épico de todo el plástico, ya que consigue una de las composiciones más logradas donde el riff de la flauta es muy pegadizo mientras que los demás instrumentos están muy compenetrados, con el teclado, la guitarra, la batería y sobre todo la flauta y la voz conjuntan a la perfección creando un tema sensible y bello. En definitiva un disco muy al estilo de Jethro Tull, donde se demuestra que a pesar de haber pasado el tiempo el excéntrico Ian Anderson sigue siendo el pilar fundamental de toda la formación, que aunque haya perdido un poco de magia, sigue estando en plena forma con su voz y haciendo de la flauta travesera otra parte fundamental de su anatomía, principalmente porque maneja y controla cada nota, cada riff, cada solo estando todo medido, ajustado y sobre colocado en su lugar sin dejar desajustamientos ni desacoplamientos. Solo esperamos que de nuevo vuelva por estas tierras, ya que hace muchos años que paso por el castillo de Lorca, donde nos ofreció uno de los mejores conciertos que personalmente he asistido. Solo espero que sigua en esta misma línea y que en un futuro vuelva a demostrar que sin él, el rock folk no será nunca lo mismo.    

 

IRON MAIDEN "Senjutsu" - CRITICA/RESEÑA DE SU NUEVO ALBUM

 

IRON MAIDEN VUELVEN CON NUEVO DISCO

Después de un largo periodo de tiempo, los británicos IRON MAIDEN, han vuelto a salir a escena con su nuevo trabajo llamado “Senjutsu”. Con un secretismo impresionante, la banda ha vuelto a grabar en los estudios parisinos este nuevo trabajo con la formación al completo, siendo además Steve Harris el mayor exponente de este álbum, ya que además de aportar su sabiduría como bajista también ha sido el artífice principal en la mayoría de las composiciones de este disco. Un disco doble, debido a la larga duración de los temas, que compaginados con aquellos algo más cortos suman un total de 80 minutos cargados de grandes dosis de heavy puro, melódico y en ocasiones hasta progresivo. Este doble trabajo contiene seis temas en su primer disco y cuatro en el segundo, dando comienzo con el tema que da título al álbum llamado Senjutsu, que se inicia con timbales japoneses y un riff de guitarra cortado siendo de corte épico y potente donde todos los instrumentos parece encajar a la perfección, aunque al ser un corte algo largo se torna un pelín pesado, sobre todo por el ritmo algo lento de su batería, pero sin dejar de lado el trabajo impresionante que hace Nicko McBrian. Seguidamente aparece un corte que ya se lanzo como single titulado Stratego, un corte mucho más corto que el anterior, además de poseer un ritmo más rápido y potente, donde se nota la esencia principal del grupo. Con una estructura de batería, bajo, guitarras y punteo hacen que sea uno de los temas más potentes del disco. A continuación aparece el que sería su primer single lanzado con video incluido bajo el titulo de The writing on the wall, y que comienza con una guitarra española, para seguir con un riff de guitarra muy pegadizo, que da paso a la potente voz de Bruce Dickinson, que a pesar de todos sus achaques, sigue demostrando que una de las grandes voces del heavy. Un corte impresionante donde la melodía westerns junto con el estribillo y el puntero central forman uno de los temas más pegadizos de todo el álbum, además su composición corrió a cargo de Bruce Dickinson y Adrian Smith. Después de este aparece el corte Lost in a lost world, con aires de balada country este tema se inicia con  una suave voz de su vocalista, para pasar a un riff muy guitarrero y potente donde el ritmo sube estrepitosamente para converse en un corte típico de la banda, donde el ritmo es bastante progresivo y típico Maiden. Seguimos con el corte Days of future past, es otro de los cortes cortos y potente que posee este trabajo donde Adrian Smith se recrea con el riff principal, pero que da paso a que cada guitarra ejecute los matices melódicos a su manera y las tres guitarras suenen compaginadas y bien estructuradas, además la aportación del sintetizador antes del coro final aporta algo novedoso y curioso a la vez. Y para terminar este primer disco aparece el corte The time machine. Tal vez este sea el temas más progresivo de todo el álbum, pero con buenos ritmos entrecortados con cambios ascendentes, y donde de nuevo la voz de Bruce en un principio junto a las guitarras de Janick Gers, Dave Murray y demás componen duelos, melodías de guitarras, riff acústicos y diferentes sorpresas protagonizadas por los conductores de las seis cuerdas, donde finalmente el temas vuelve a caer en ritmo dando paso al acorde final. Una vez terminado este primer disco, comienza la segunda parte donde la primera canción es la llamada Darkest hour, una balada de carácter épico que vuelve por los derroteros de la historia narrando parte de lo sucedido en la segunda guerra mundial y que Bruce se pone en la piel de Winston Churchill, y donde la guitarra de Adrian Smith hace un trabajo impresionante con un punteo extraordinario. Seguidamente viene el corte Death of the celts, este es el primero de los temas más largos del disco, que comienza con el clásico bajo y guitarra, pero envuelto con un sonido de teclados que dan paso a la entrada del vocalista cantando en una línea folk, melódica e instrumental que se va creciendo en intensidad según avanza el tema, que a lo largo de su duración contienen distintas fases, desde aumento de ritmo hasta fases completamente instrumentales, creativas, donde la batería esta pletórica así como los demos instrumentos. Después viene el segundo tema de los tres últimos que fueron compuestos por Steve Harris en solitario, llamado The parchment. Iniciándose con un solo de bajo para seguir con una guitarra limpia hasta que aparece la batería y las demás guitarras que servirán de eje principal del tema, hacen que sea uno de los temas más épicos de todo el disco, sobre todo por la combinación de voz, bajo y guitarras cargadas de una importante carga instrumental creando uno de los mejores temas de todo el álbum. Y para terminar este doble álbum, llegamos a su último tema llamado Hell on earth, que de nuevo vuelve a iniciarse lentamente hasta que rompen la batería junto con las guitarras, pero con un ritmo superior a los temas anteriores donde de nuevo las tres guitarras vuelven a demostrar el ¿por qué? están ahí. Por otra parte también hay que decir que el protagonismo de Harris es sobresaliente, así como el de Dickinson y Smith notable, mientras que el de Gers y Murray, en menor medida están por encima del bien. En definitiva, considero y bajo mi punto de vista, que es un álbum para disfrutar escuchándolo con tranquilidad y degustar lentamente los distintos matices que posee, ya que no hay canción en el álbum que no tenga oculta una melodía que en la primera o segunda escucha no hemos oído, principalmente porque es un disco donde los tintes rockeros y heavies tanto en velocidad, así como, en agresividad han dado paso a la mesura, la progresividad metalera y el buen gusto para poder disfrutar de todas y cada una de los melodías que posee. Solo esperamos que si deciden salir de gira para presentar este álbum, vengan por estas tierras y disfrutemos de sus canciones encima de un escenario.

 

Y este es el video de uno de sus primeros singles. Disfrutalo...

 

 

SAXON "Inspirations" CRITICA/RESEÑA DE SU ULTIMO DISCO

SAXON VUELVEN CON UN DISCO DE VERSIONES        

 Son ya mas de 45 años los que llevan estos ingleses en el candelero metalero, habiendo conseguido vender millones de copias de sus mas de 20 discos en el mercado. SAXON ha vuelto en estos tiempos de pandemia con un disco de versiones llamado Inspirations.  Con la formación de Biff Byford en la voz, Paul Quinn en la guitarra eléctrica, Nibbs Carteren al bajo, Doug Scarratten en la otra guitarra eléctrica y finalmente Nigel Glockleren a la batería, han creado este disco homenaje a los grandes grupos del rock, como: Rolling Stones, The Beatles, Black Sabbath, AC/DC, Led Zeppelin, TOTO, y varios más, haciendo versiones de sus más emblemáticos temas, pero en algunos casos llevándolos a su propio terrero, e incluso modificando las voces para hacerlos lo más parecidos posible. El álbum consta de once temas dándose inicio con el clásico tema de los Rolling llamado Paint it black, donde recrean una versión algo mas heavy que la original y donde el vocalista consigue congeniar perfectamente con unas guitarras mas punzantes y cortantes creando una muy buena versión. Seguidamente aparece otro gran tema de los clásicos del rock llamado Immigrant song, de los grandiosos Led Zeppelin y que de nuevo aquí vuelven a llevar a su terreno, pero con mucha concordancia con la original ya que el propio Byford consigue los registros vocales que tiene el tema original. Tras este aparece Paperback writer, lo propios Beatles estarían orgullosos de esta versión, sobre todo porque abarca un abanico más amplio de estilos musicales desde el propio rock hasta el heavy metal mas potente, rápido y duro. A continuación llega Evil woman, un clásico de Black Sabbath y donde la similitud es muy importante ya que el registro vocal es muy parecido al de Ozzy en su época joven, creando una de las versiones mas logradas del disco. Seguimos con Stone free un tema original de la Jimi Hendrix Experience, pero que en esta versión es llevada al terreno de la banda, que fácilmente podría haberse incluido en alguno de los discos de del grupo en los años 80’s, ya que posee ritmo, fuerza y sobre todo un trabajo excelente en las guitarras. Tras este viene Bomber, como no iba a aparecer en este disco su pequeño homenaje a sus amigos de Motörhead y al desaparecido Lenny Kilmister, creando una versión made in heavy metal puro y duro, donde el registro vocal es algo extraño principalmente porque Biff Byford mezcla sus registro de agudos con la voz rota que poseía Lenny, creado así una versión algo única. Lógicamente no podía faltar una versión de los grandiosos Deep Purple, ya que el siguiente tema es Speed King, un poderoso corte que de nuevo la banda lo lleva a su propio terreno haciendo una de la versiones mas potentes del álbum, con unas guitarras espectaculares junto a una poderosa batería y un registro vocal excelente. Si el corte anterior era de lo mas espectacular del álbum, el siguiente no es menos ya que aparece el corte The rocker, una versión de Thin Lizzy, donde de nuevo vuelven a rescatar una canción muy peculiar de ese grupo irlandes que consiguió llegar a lo mas alto de rock ingles. Pero al hablar de grandes grupos no podemos olvidarnos de los americanos Toto, que aquí lo versionan con el corte Hold the line, tal vez el corte mas flojo de todo el disco, sobre todo en la producción, pero que sin embargo consiguen salvar gracias a las guitarras y sobre todo el bajo y la batería. Después viene otro grande donde los haya, ya que aparece un corte de los inicios de los australianos AC/DC, llamado Problem child. Si los temas anteriores tenían mucha similitud con los originales este se lleva la palma, porque seguramente es la versión mas parecida que hay en el álbum, aunque la voz de Bon Scott sea muy difícil de imitar, si hay que reconocer que esta muy lograda aparte del ritmo que prácticamente es igual. Y por ultimo aparece el corte See my friends, un tema más pop que rock de los desaparecidos The Kinks, donde la banda lo lleva al terreno de la semi balada, creando una versión más lenta y clásica. En definitiva un disco que será por algunos muy criticado, mientras que por otros será más aclamado, pero que en definitiva demuestra que en estos tiempos tan raros que estamos pasando con la pandemia mundial, estos ingleses han sabido sobreponerse a una crisis mundial en el tema de la música y han logrado un disco que a todos nos fascina sobre todo porque conocemos y admiramos todos los temas. Solo espero que dentro de poco podamos hablar de este grupo en su próxima gira mundial. 

 Un saludo y nos vemos en las ondas. GRACIAS A TODOS POR ESTAR AHÍ.

APOCALYPTICA "Cell-0" CRITICA/RESEÑA SOBRE SU ULTIMO DISCO

APOCALYPTICA ESTRENAN NUEVO ÁLBUM 

Cuando comenzó APOCALYPTICA, su andadura allá por 1996, nadie pensó que esta banda de chelistas finlandeses podrían llegar a sacar los discos que llevan en su haber, ya que hacer heavy metal con música de chelos de forma instrumental, era algo novedoso y extraño. Pero a raíz del éxito de su primer álbum, este cuarteto ha ido evolucionando y perfeccionando su música, ya que en varios de sus discos han incorporado hasta un vocalista, pero sin embargo después de casi cinco años sin  editar nada, han vuelto con en este noveno disco llamado Cello-0, en el cual han prescindido de todo tipo de voces, ya que han regresado a sus raíces haciendo todo el álbum de forma instrumental. Cuatro son los componentes que forman esta banda, que son: Eicca Toppinen, Paavo Lötjönen, Perttu Kivilaakso y Mikko Sirén. Los cuales mezclan el heavy  metal y música clásica sonado a rock 'n' roll de alta calidad sin llegar a romper las reglas del género, demostrando que estos dos géneros están muy ligados entre sí. El álbum consta de nueve cortes, donde las canciones van variando entre lo calmado y celestial a lo turbulento y extremo. El disco comienza con su primer single, que es el portentoso tema Ashes of the modern world, que abre con acordes macabros y siniestros que dan paso a una melodía potente que cambia de ritmo dando un bajón en medio del corte que de nuevo vuelve a subir potentemente simulando los magníficos riff y punteos de una guitarra. Seguidamente aparece el tema más largo de todo el álbum, que lleva el mismo título que el disco, o sea Cell-0, con un principio algo extraño, este corte vuelve a ser bastante potente donde se demuestra con creces la experiencia de la banda. Después de este aparece el corte Rise, un tema bastante pegadizo donde la melodía crea un ambiente fantástico y donde el metal progresivo brota en toda la pieza, ya que la suave melodía sinfónica te transporta a otra dimensión, siendo la banda sonora perfecta para relajarse. A continuación viene En route to Mayhem, si el corte anterior era suave y melódico, este es todavía más principalmente porque desde un principio nos inunda una melodía sonora que podría ser la sintonía de cualquier serie y que la rompe la potente batería de Mikko Sirén aportando el fuerte componente metálico, que se va encrudeciendo conforme avanza el tema, llegando incluso a tener una batería rápida y potente típica del Thrash metal. Seguimos con Call my name, con un inicio suave de carácter baladista, sigue una pauta lineal y con un ritmo que se mantiene casi uniforme durante todo el corte. Seguidamente viene la folklórica Fire & ice, que arranca tranquila, pero que se vuelve a mitad del corte una cascada de riffs y cambios de ritmo inusuales haciendo que se un corte algo extraño sobre todo en su parte final donde de nuevo vuelve a la melodía del principio. Tras este aparece  Scream for the silent, un corte melodioso donde la ambientación es mezclada con riffs entrecortados creando sensaciones algo extrañas pero a la vez melodiosas. Catharsis, es el siguiente tema en aparecer donde de nuevo la melancolía y la suavidad del sonido del chelo y el ritmo pausado de la batería hacen que se convierta en un tema lento y jugoso. Y para terminar aparece Beyond the stars, que supone un ejercicio de astucia al construir una sucesión de ritmos totalmente adictivos, donde la aparición de un piano es parte fundamental en ejecución del corte haciendo que se adquiera un ritmo Hard Rock sobre todo en su parte central. En definitiva un disco que vuelve a demostrar que el heavy metal, el metal progresivo y la música clásica no están reñidos, sino todo lo contrario. De ahí que hay que agradece a estos chelistas que apuesten por un disco que se sale de lo común, pero que sin embargo no llega a cansar a quien lo escucha, pero siempre y cuando sepa lo que está oyendo. Solo esperamos que vuelvan por estas tierras y volvamos a ver una estampa tan peculiar como es la de tres chelos y una batería haciendo heavy metal encima de un escenario. 

 Y este es el video del primer single de este album. Disfrutalo...